"Исторические эпохи. Музыкальные стили" (классицизм, романтизм)

Автор: Рябчинская Инга Борисовна
Должность: преподаватель по классу фортепиано, концертмейстер
Учебное заведение: МБУ ДО ДМШ имени Д.Д. Шостаковича
Населённый пункт: город Волгодонск, Ростовская область
Наименование материала: методическая разработка
Тема: "Исторические эпохи. Музыкальные стили" (классицизм, романтизм)
Дата публикации: 16.09.2015







Вернуться назад       Перейти в раздел





Текстовая часть публикации

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования Детская музыкальная школа имени Д. Д. Шостаковича г. Волгодонск
Методическая разработка по теме:

« Исторические эпохи.

Музыкальные стили »
(
классицизм, романтизм
) Разработку выполнила Инга Борисовна Рябчинская преподаватель I категории концертмейстер высшей категории
Стиль и эпоха - два взаимосвязанных понятия. Каждый стиль неразрывно связан с той историко - культурной атмосферой, в которой он формировался. Важнейшие стилевые направления появлялись, существовали и исчезали в исторической последовательности. В каждом из них ярко проявлялись общие художественно - образные принципы, средства выразительности, творческие методы.
КЛАССИЦИЗМ
Слова «классика», «классицизм», «классический» происходят от латинского корня - classicus, то есть образцовый. Называя художника, писателя, поэта, композитора классиком, мы подразумеваем, что он достиг в искусстве высшего мастерства, совершенства. Его творчество высокопрофессиональное и является для нас
образцом.
В формировании и развитии классицизма отмечают два исторических этапа.
Первый этап
относится к XVII веку. Выросший из искусства Возрождения классицизм XVII в. развивался одновременно с барокко, отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с ним, и в этот период наибольшее развитие получил во Франции. Для классиков этого периода непревзойденными образцами художественного творчества были произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок, разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты и истины, ясности, стройности, законченности построения.
Второй этап
- поздний классицизм, с середины XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде всего с
венской классической школой
. В историю европейской культуры он вошел как
эпоха Просвещения
или Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая на героические поступки, подчиняя свои интересы - общим, душевные
классицизм

классицизм

ясные

гармонии

ясные

гармонии

строгие

формы

строгие

формы

уравновешенные

чувства

уравновешенные

чувства

порывы - голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество, правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла отражение во всех видах искусства.
Архитектуре
этого периода свойственна упорядоченность, функциональность, соразмерность частей, тяготение к уравновешенности и симметрии, ясность замыслов и построений, строгая организованность. С этой точки зрения символом классицизма служит геометрическая планировка королевского парка в Версале, где деревья, кустарники, скульптуры и фонтаны располагались по законам симметрии. Эталоном русской строгой классики стал Таврический дворец, возведенный И. Старовым.
В живописи
главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов ( Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Давид ).
В поэтическом искусстве
произошло деление на « высокие » ( трагедия, ода, эпопея ) и « низкие » ( комедия, басня, сатира ) жанры. Выдающиеся представители французской литературы П. Корнель, Ф. Расин, Ж. Б. Мольер оказали большое влияние на формирование классицизма в других странах. Важным моментом этого периода было создание различных академий: наук, живописи, скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца.
Музыкальный стиль классицизма
Классицизм в музыке отличался от классицизма в смежных видах искусств и сформировался в 1730 - 1820 гг. В различных национальных культурах музыкальные стили получали распространение в разное время; бесспорным является то, что в середине XVIII века классицизм восторжествовал практически повсеместно. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната. Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа - простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большую выразительную силу, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера « Орфей и Эвридика » была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство
художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию. Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре - венскую классическую школу.
Основоположники венского классицизма в

музыке

В. Моцарт



Й. Гайдн Л.

Бетховен
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии.
венский

классицизм

венский

классицизм


Сонатная форма
Соната - (от итал. sonare - звучать) - одна из форм камерной инструментальной музыки, имеющая несколько частей. Сонатина - (итал. sonatina - уменьшительное от sonata ) - небольшая соната, более лаконичная по размеру, значительно проще по содержанию и легче технически. К инструментам, для которых первоначально сочиняли сонаты, причисляют скрипку, флейту, клавир - общее название всех клавишных инструментов - клавесина, клавикорда, фортепиано. Жанр клавирной ( фортепианной ) сонаты достиг наибольшего расцвета в эпоху классицизма. В это время было популярно домашнее музицирование. Наибольшей напряжённостью и остротой отличается первая часть сонаты, изложенная в сонатной форме. Первая часть ( сонатное allegro ) складывается из трёх разделов: Первый раздел сонатного allegro включает в себя главную и побочную, связующую и заключительную партии: реприза разработка экспозиция
Второй раздел сонатного allegro - разработка Третий раздел сонатного allegro - реприза:
экспозиция

главная

партия

Основная

тональность

побочная

партия

Тональность

доминанты
связующая партия заключительная партия
разработка

разработка

противопоставление

партий

противопоставление

партий

видоизменение

партий

видоизменение

партий

« переплетение »

партий

« переплетение »

партий

Возможный раздел сонатного allegro - кода:
Вторая часть
сонатной формы - медленная. Музыка передаёт неторопливое течение мысли, воспевает красоту чувств, рисует изысканный пейзаж.
Третья часть
сонаты ( финал ). Финалы сонат исполняются обычно в быстром темпе и имеют танцевальный характер, например, менуэта. Часто финалы классических сонат пишутся в форме
рондо
( от итал. rondo - круг ). Повторяющаяся часть -
А
-
рефрен
( основная тема ),
B, С, D
- контрастные
эпизоды
.
реприза

главная

партия

Основная

тональность

побочная

партия

Основная

тональность
связующая партия заключительная партия
кода

кода

закрепляется тональность

закрепляется тональность

снимаются контрасты

снимаются контрасты

звучат основные темы

звучат основные темы

AA

B

B

A

A

C

C

А

А D

D




Йозеф Гайдн



31 марта 1732 г. - 31 мая 1809 г.

« Гайдн, чье имя так ярко сверкает в храме гармонии…»
Йозеф Гайдн - основоположник венского классицизма - направления, пришедшего на смену барокко. Жизнь его еще будет проходить преимущественно при дворе светских правителей, а в творчестве сформируются новые принципы музыки, возникнут новые жанры. Все это
сохраняет свое значение и в наше время... Гайдна называют основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии. Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть - медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть - менуэт - один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть - финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание. В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора. Предки его были крестьянами и рабочими, чьи жизнелюбие, упорство и оптимизм и унаследовал классик. «Мой покойный отец был по профессии каретником, подданным графа Гарраха, и от природы горячим любителем музыки». Гайдн уже ребенком обнаружил интерес к музыке. Заметив талант сына, родители отдали его учиться в другой город - там мальчик жил на попечении своего родственника. Затем Гайдн переехал в еще один город, где пел в хоре. Фактически, с 6 лет Йозеф Гайдн вел самостоятельную жизнь. Можно сказать, что он был самоучкой, так как для систематических занятий с известными учителями не хватало ни денег, ни связей. По степени взросления голос огрубел и совсем юный Гайдн оказался на улице без крыши над головой. На пропитание он себе зарабатывал уроками, которые уже давал сам. Продолжается самообучение: Гайдн внимательно изучает музыку К.Ф.Э. Баха (сына И. С. Баха), вслушивается в песни, звучащие с улиц ( в том числе и славянские мелодии), и Гайдн начиняет сочинять. Его замечают. В Европе вельможи стремились перещеголять друг друга, нанимая лучших музыкантов. Годы, которые молодой Гайдн провел как свободный художник, были плодотворными, но все же это была тяжелая жизнь. Уже женатый Гайдн (брак все описывают как крайне неудачный) принимает приглашение князя Эстергази. Фактически при дворе Эстергази Гайдн
прослужит 30 лет. В обязанности его входит написание музыки и руководство княжеским оркестром. Князь Эстергази (или Эстерхази) был, по общему мнению, приличным человеком и большим любителем музыки. Гайдн мог заниматься любимым делом. Музыка писалась по заказу - никакой «свободы творчества», но в то время это было обычно практикой. К тому же у заказа есть немалое преимущество: заказанную музыку непременно и тут же исполняли. « В стол » ничего не писалось.
Из первого официального договора между князем Эстерхази и

вице - капельмейстером Йозефом Гайдном:
« По первому приказанию его светлости, великого князя, вице - капельмейстер ( Гайдн ) обязуется сочинять любую музыку, какую пожелает его светлость, никому не показывать новых композиций, а тем более не разрешать никому их списывать, а хранить их единственно для его светлости и без ведома и милостливого разрешения его ни для кого ничего не сочинять. Йозеф Гайдн обязан ежедневно ( будь то в Вене или в любом из княжеских поместий ) до и после обеда появляться в передней и докладывать о себе на случай, ежели его светлость соизволит отдать распоряжение об исполнении или сочинении музыки. Дожидаться, а получив приказ, довести его до сведения остальных музыкантов. Пребывая в такой уверенности, светлейший господин жалует ему, вице капельмейстеру, ежегодное содержание в 400 рейнских гульденов, которые он будет получать поквартально в главном казначействе. Сверх того, ему, Йозефу Гайдну, положено за господский счет получать кошт с офицерского стола либо полгульдена в день столовых денег. ( В дальнейшем жалование неоднократно повышалось). Гайдн считал тридцатилетнюю службу у князей Эстергази хорошей порой своей жизни. Впрочем, он всегда был оптимистом. К тому же, Йозеф Гайдн имел все возможности сочинять, и писал он всегда быстро и много. Именно во время службы при дворе князей Эстергази к Гайдну приходит слава. Взаимоотношения Эстергази и Гайдна прекрасно иллюстрирует известный случай с «Прощальной симфонией». Оркестранты обратились к Гайдну с просьбой воздействовать на князя: квартиры для них оказались слишком маленькими, чтобы перевезти семьи. Музыканты соскучились по родным. Гайдн воздействовал музыкой: написал симфонию, в которой на одну часть больше. И когда звучит эта часть, музыканты постепенно уходят. Остаются два скрипача, но и они гасят свечи и уходят. Князь намек понял и выполнил «требования» музыкантов.
В 1790 году умирает князь Эстергази - Миклош Великолепный. Новый князь - Антон - к музыке был не расположен. Нет, полковых музыкантов Антон оставил, а вот оркестр распустил. Гайдн остался не у дел, хоть и с большой пенсией, которую ему назначил Миклош. А творческих сил еще было очень много. Так Гайдн опять стал свободным художником. И он отправится в Англию по приглашению. Гайдну скоро уже 60 лет, он не знает языков! Но он уезжает в Англию. И опять - триумф! « Мой язык прекрасно понимают во всем мире », говорил сам о себе копозитор. В Англии у Гайдна был не только ошеломительный успех. Оттуда он привез еще 12 симфоний и оратории. Гайдн стал свидетелем своей славы - а это большая редкость. Основатель венского классицизма оставил огромное количество сочинений, и это жизнеутверждающая, уравновешенная музыка. Оратория «Сотворение мира» - одно из самых известных произведений Гайдна. Это монументальная музыкальная живопись, созерцание мироздания, если можно так выразиться… Симфоний у Гайдна - более 100. « Детской радостью души» назвал их Гофман. Большое количество сонат, концертов, квартетов, оперы… Йозеф Гайдн является автором национального гимна Германии.


Вольфганг Амадей Моцарт

27 января 1756 г. - 5 декабря 1791 г.
Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Вольфганга Моцарта. Опираясь на
его достижения в области сонатно - симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он. Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом « Свадьба Фигаро » ( опера - буффа, но реалистичная и с элементами лирики ) и « Дон Жуан » ( опера определяется как « веселая драма » - это и комедия, и трагедия с очень сильными и сложными образами ), поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. А « Волшебная флейта » ( опера - зингшпиль, но одновременно философская сказка о борьбе добра и зла ) вошла в историю музыки как « лебединая песня » Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли. Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил нам мудрость, радость, свет и добро. Иоганн Хризостом Вольфганг Теофиль Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге. Амадей - латинский аналог греческого имени Теофил(ь) - « любимец бога ». Под двумя именами обычно и называют Моцарта. Вольфганг Амадей - ребенок - вундеркинд. Отец Моцарта - Леопольд Моцарт - сам был известным музыкантом - педагогом и довольно плодовитым композитором. В семье родилось 7 детей, выжило двое: Наннерлъ - старшая сестра Моцарта, и сам Вольфганг. Обоих детей Леопольд начал обучать с самого раннего детства, с ними и ездил на гастроли. Это был настоящий период странствий. Турне было несколько, в общей сложности они продлились более 10 лет ( с перерывами на возвращение домой или на детские болезни ). Отец не только показывал детей Европе, в том числе монархам. Он искал связей, которые позволили бы повзрослевшему сыну устроиться с будущей работой в соответствии со своим ярким талантом. Моцарт начал сочинять в самом раннем детстве, причем его ранняя музыка исполняется почти столь же часто, как и зрелая. К тому же, в путешествиях отец нанимал для сына лучших учителей Европы ( в Англии это был младший сын И. С. Баха - « Лондонский Бах », в Италии - знаменитый падре Мартини, у которого учился, кстати, и один из основателей профессиональной композиторской школы в России Максим Березовский). В той же Италии совсем юный Моцарт совершил « страшный грех », вошедший во все биографии: в Сикстинской капелле, один раз услышав, полностью запомнил и записал охраняемое
Ватиканом произведение « Мизерере » Аллегри. « И здесь Вольфганг выдержал знаменитый « экзамен » на тонкость слуха и точность памяти. По памяти он записал услышанное им знаменитое « Miserere » Грегорио Аллегри. Это произведение повсюду считалось венцом своего жанра и вершиной папской музыки для страстной пятницы. Не удивительно, что капелла тщательно заботилась о том, чтобы уберечь это сочинение от незваных переписчиков. То, что удалось сделать Вольфгангу, естественно, произвело большую сенсацию. Отец сумел успокоить мать и сестру в Зальцбурге, опасавшихся, что, записав « Miserere », Вольфганг согрешил и может попасть в неприятное положение». Моцарт не только университетов не кончал, он и в школе не учился. Его общим образованием также занимался отец ( математика, языки ). А вот взрослели тогда рано, причем во всех слоях общества. Времени на подростковую субкультуру не было. Дети, конечно, сильно уставали. Наконец, они взрослели, а это означает, что переставали быть вундеркиндами, что публика теряла к ним интерес. Фактически Моцарту пришлось « завоевывать » публику снова, уже будучи взрослым музыкантом. В 1773 году молодой Моцарт стал работать у архиепископа Зальцбурга. Он имел возможность продолжать разъезжать и, конечно же, много работать. При следующем архиепископе Моцарт оставил придворный пост и стал свободным художником. После детства, состоящего из сплошных европейских гастролей и службы у архиепископа, Моцарт переезжает в Вену. Он продолжает периодически выезжать в другие европейские города, но австрийская столица станет его постоянным домом. « Моцарт первым из крупнейших музыкантов остался свободным художником и был первым в истории композитором - представителем артистической богемы. Конечно, работа на свободный рынок означала нищету ». Жизнь « на вольных хлебах » совсем не так проста и радужна, как может показаться. В музыке зрелого Моцарта чувствуется трагедия его гениальной судьбы, сквозь блеск и красоту музыки высвечивается грусть и понимание, экспрессия, страсть и драматизм. Вольфганг Моцарт оставил за свою короткую жизнь более 600 произведений. Нужно понимать, что речь идет о масштабных произведениях: операх, концертах, симфониях. Моцарт - композитор универсальный. Он писал и инструментальную музыку, и вокальную, то есть во всех существующих в его время жанрах и формах. В дальнейшем такой универсализм станет редким явлением. Но Моцарт универсален не только поэтому: « Его музыка вмещает в себя огромный мир: в ней есть небо и земля, природа и человек, комедия и трагедия, страсть во всех её формах и глубокое
внутреннее спокойствие » (К. Барт). Достаточно вспомнить некоторые его произведения: оперы, симфонии, концерты, сонаты. Фортепианные сочинения Моцарта были теснейшим образом связаны с его педагогической и исполнительской практикой. Он был величайшим пианистом своего времени. В XVIII в. были, конечно, музыканты, не уступавшие Моцарту в виртуозности ( в этом плане его главным соперником был Муцио Клементи ), однако никто не мог сравниться с ним в глубокой осмысленности исполнения. Жизнь Моцарта пришлась на тот период, когда в музыкальной жизни были распространены одновременно и клавесин, и клавикорд, и пиано - форте ( так называлось раньше фортепиано ). И если по отношению к раннему творчеству Моцарта принято говорить о клавирном стиле, то с конца 1770-х годов композитор писал, несомненно, для фортепиано. Его новаторство ярче всего проявилось в клавирных сочинениях патетического плана. Моцарт - один из величайших мелодистов. Его музыка сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской песни. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии с большим драматическим пафосом и контрастными элементами. Камерно - инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями ( от дуэтов до квинтетов ) и произведениями для фортепиано ( сонаты, вариации, фантазии). Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, ясностью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента. В. Моцартом написано 27 концертов для фортепиано с оркестром, 19 сонат, 15 вариационных циклов, 4 фантазии (две в c-moll, одна в C-dur, объединенная с фугой, и еще одна в d-moll). Наряду с крупномасштабными циклами, в творчестве Моцарта имеется немало небольших пьес, которым сам он не всегда придавал должное значение. Это отдельные менуэты, рондо, Adagio, фуги. Опера была общественно значимым искусством. К XVIII веку кроме придворных оперных театров уже существовали общедоступные оперные театры двух видов: серьезная и комически - бытовая ( сериа и буффа ). А вот в Германии и Австрии процветал зингшпиль. Среди огромного количества произведений, созданных гением Моцарта, оперы - любимые детища. В его творчестве прослеживается богатая галерея жизненных образов опер - сериа, буффа и зингшпилей, возвышенных и комических, нежных и озорных, умных и простоватых - все они изображены естественно и психологически достоверно. В музыке Вольфганга Амадея Моцарта гармонично сочетаются культ разума, идеал благородной простоты и культ сердца, идеал свободной личности. Стиль Моцарта всегда считался олицетворением изящества, лёгкости, живости ума и постине аристократической изысканности.
П. И. Чайковский писал: " Моцарт - есть высшая, кульминационная точка, до которой красота достигала в сфере музыки... то, что мы называем идеалом ".
Людвиг ван Бетховен

16 декабря 1770 г. - 26 марта 1827 г.
Людвиг ван Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр ( « Эгмонт », « Кориолан » ), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В его музыке жизнь проявляется во всем ее разнообразии - бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Людвиг ван Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку. Бетховен на полтора десятка лет моложе Моцарта. Но это уже качественно другая музыка. Он относится к « классикам », но в своих зрелых произведениях близок к романтизму. Стиль музыки Бетховена - переход от классицизма к романтизму. Но для того, чтобы понять его творчество, необходимо сначала окинуть взглядом панораму общественной и музыкальной жизни того времени. В конце XVIII века зародилось и развивалось явление « Буря и натиск » (Sturm und Drang) - период, когда ломались стандарты
классицизма в пользу большей эмоциональности и открытости. Это явление захватило все сферы литературы и искусства, у него даже есть интересное название: контр - Просвещение. Крупнейшими представителями « Бури и натиска » были Иоганн Вольфганг Гёте и Фридрих Шиллер, а сам этот период предвосхитил появление романтизма. Заряд энергии и накал чувств музыки Бетховена неразрывно связаны с перечисленными явлениями в общественной жизни Западной Европы того времени и с обстоятельствами личной жизни гения. Людвиг ван Бетховен родился в Бонне. Семья была небогатой, по происхождению - фламандцы, по роду деятельности - музыканты. Отец горел желанием сделать из сына « второго Моцарта », но карьеры концертирующего виртуоза - вундеркинда не получилось, зато была постоянная « муштра » за инструментом. Уже в детстве Людвиг начинает подрабатывать ( школу пришлось бросить), а в 17 лет принимает на себя ответственность за семью: работает на постоянном окладе и дает частные уроки. Отец пристрастился к спиртному, мать рано умерла, в семье оставались младшие братья. Тем не менее Бетховен находит время и посещает вольнослушателем Боннский университет. Вся университетская молодежь была тогда охвачена революционным порывом, доносящимся из Франции. Молодой гений восхищался идеалами Великой Французской революции. Он даже посвятил свою Третью « Героическую » симфонию Наполеону Бонапарту, правда, затем посвящение вычеркнул, разочаровавшись в « земном воплощении идеалов », вместо него указал: « Памяти великого человека ». « Никто так не мелок, как большие люди »- знаменитые слова Бетховена. Идеалы « свободы, равенства, братства » навсегда остались идеалами Бетховена - а это предполагало и большие разочарования в жизни. Людвиг ван Бетховен досконально изучал и почитал творчество И. С. Баха. В Вене он выступает перед Моцартом, который дает молодому музыканту высокую оценку. Скоро Бетховен переезжает в Вену совсем, впоследствии помогает перебраться туда и младшим братьям. С этим городом будет связана вся его жизнь. В Вене он берет уроки по специальным предметам, среди его учителей - Гайдн и Сальери ( Сальери посвящены три скрипичные сонаты Бетховена ). Он выступает в салонах венской аристократии, а потом и в собственных концертах, перед широкой аудиторией. Пальцы его на клавиатуре окрестили « демоническими ». « Я хочу вцепиться судьбе в глотку, совсем пригнуть меня к земле ей, безусловно, не удастся » ( из писем Бетховена ). Уже в молодые годы Бетховен понял, что глохнет ( « Вот уже два года, как я тщательно избегаю всякого общества, потому что не могу же я сказать людям: « Я глухой! » Это было бы еще возможно, будь у
меня какая - нибудь другая профессия, но при моем ремесле ничто не может быть ужаснее » ( из писем Бетховена ). Периодические вмешательства врачей излечения не приносили, глухота прогрессировала. К концу жизни он уже не слышал ничего. Но оставался внутренний слух - правда, услышать « воочию » услышанное внутри было уже невозможно. А общение с людьми было крайне затруднено, с друзьями практиковались записи в « разговорных » тетрадях. Всеслышащий глухой - так его иногда называли. И он слышал главное: не только музыку, а и идеи, чувства. Он слышал и понимал людей. « Эту любовь, страданье, упорство воли, эти чередования уныния и гордости, внутренние драмы - все это мы находим в великих творениях Бетховена »… ( Ромен Роллан ). Известны сердечные привязанности Бетховена: юная графиня Джульетта Гвиччарди. Но он так и остался одиноким. Кто была его « бессмертная возлюбленная », письмо к которой было найдено после смерти композитора, достоверно неизвестно. Но некоторые исследователи считают « бессмертной возлюбленной » Терезу Брунсвик, ученицу Л. Бетховена. Она обладала музыкальной одарённостью - прекрасно играла на рояле, пела и даже дирижировала. Людвига ван Бетховена связывала с Терезой длительная дружба. К 1814 году к Бетховену приходит всемирная слава. Начинается Венский конгресс - после победы над Наполеоном и вступлением войск России, Австрии и Пруссии в Париж - и начинается знаменитый мирный Венский конгресс с оперы Бетховена « Фиделио ». Бетховен становится европейской знаменитостью. Он зван в императорский дворец на празднество в честь именин российской императрицы, которой дарит подарок: написанный им Полонез. Людвиг ван Бетховен много сочиняет.
32 фортепианных сонаты
Фортепианная соната была для Бетховена наиболее непосред ственной формой выражения волновавших его мыслей и чувств, его главных художественных устремлений. Его влечение к этому жанру было особенно устойчивым. Если симфонии появлялись у него как итог и обобщение длительного периода исканий, то фортепианная соната непосредственно отражала все многообразие творческих поисков. Бетховен как выдающийся виртуоз на фортепиано даже импровизировал чаще всего в сонатной форме. В пламенных, оригинальных, необуздан ных импровизациях Бетховена зарождались образы его будущих больших произведений. Каждая бетховенская соната - завершенное художественное произведение; все вместе они образуют подлинное сокровище классической мысли в музыке. Бетховен трактовал фортепианную сонату как всеобъемлющий жанр, способный отразить все разнообразие музыкальных стилей современности. В
этом плане его можно сравнивать с Филиппом Эмануэлом Бахом ( сын И.С. Баха ). Этот композитор, почти забытый в наше время, первый придал клавирной сонате XVIII в. значение одного из ведущих видов музыкального искусства, насыщая свои клавирные произведения глубокими мыслями. Бетховен первый пошел по пути Ф. Э. Баха, превзойдя, однако, своего предшественника широтой, разнообразием и значительностью идей, выраженных в фортепианных сонатах, их художест венным совершенством и значимостью. Огромный диапазон обра зов и настроений - от мягкой пасторали до патетической торжест венности, от лирического излияния до революционного апофеоза, от высот философской мысли до народных жанровых моментов, от трагедии до шутки - характеризуют тридцать две фортепианные сонаты Бетховена, созданные им на протяжении четверти столетия. Путь от первой ( 1792 г. ) до последней ( 1822 г. ) бетховенской сонаты знаменует целую эпоху в истории мировой фортепианной музыки. Бетховен начал со скромного классицистского фортепианного стиля ( еще во многом связанного с искусством клавесинной игры ) и закончил музыкой для современного рояля, с его огромным звуковым диапа зоном и многочисленными новыми выразительными возможно стями. Называя свои последние сонаты « произведением для молоточкового инструмента » ( Hammerklavier ), композитор подчерки вал их современную
пианистическую
выразительность. В 1822 году созданием Тридцать второй сонаты Бетховен завершил свой долгий путь в этой области творчества. Людвиг ван Бетховен много работал над проблемами фортепианной виртуозности. В поисках своеобразного звукового образа он неустанно вырабатывал свой оригинальный фортепианный стиль. Ощущение широкого воздушного пространства, достигаемое сопоставлением далеких регистров, массивные аккорды, уплотненная, насыщенная, многоплановая фактура, темброво-инструментальные приемы, бо гатое использование эффектов педали ( в частности, левой педа ли ) - таковы некоторые характерные новаторские приемы бетховенского фортепианного стиля. Начиная с первой сонаты Бетховен противопоставил камерности клавирной музыки XVIII в. свои величественные звуковые фрески, написанные смелыми, крупными мазками. Бетховенская соната стала походить на симфонию для фортепиано. Как минимум треть из 32 фортепианных сонат хорошо известна даже людям, которые считают себя « не любителями ». Из них: « Патетическая » соната № 8. Властное, гордое, трагическое начало - и вздымающие валы музыки. Целая поэма из трех частей, каждая из которых прекрасна. Радость, страдание, бунтарство и борьба - типичный бетховенский круг образов, выраженный здесь и неистово, и с большим
благородством. Это великая музыка, как, впрочем, любая соната или симфония Бетховена. «Quasi una fantasia», так называемая « Лунная » соната № 14 , посвящённая юной графине Джульетте Гвиччарди , которая была ученицей Бетховена. Композитор увлёкся Джульеттой и даже думал о женитьбе, но она предпочла другого. Обычно слушатели ограничиваются первой частью, не подозревая, какой там финал - « вставший на дыбы водопад » - по образному выражению одного из исследователей. А есть еще « Аппассионата » ( № 23 ) , « Буря » ( № 17 ), « Аврора » ( № 21 )… Фортепианные сонаты - одна из лучших, драгоценнейших частей гениального наследия Бетховена. В длинной и волнующей веренице их великолепных образов перед нами проходит вся жизнь великого таланта, великого ума и великого сердца, не чуждого ничему человеческому, но именно поэтому отдавшего все свои биения самым дорогим, самым священным идеалам передового человечества. Л. Бетховен продолжатель традиций Моцарта. Но его музыка приобретает совершенно новые выражения: драматизм в музыке доходит до трагизма, юмор - до иронии, а лирика становится откровением страдающей души, философским размышлением о судьбе и мире. Фортепианная музыка Бетховена - образец художественного вкуса. Современники часто сравнивали эмоциональный настрой сонат Бетховена с патетикой трагедий Шиллера. Кроме 32 сонат для фортепиано, есть еще сонаты для скрипки. Одна точно многим знакома хотя бы по названию - « Крейцерова соната » - соната № 9 для скрипки и фортепиано. А есть еще знаменитые струнные квартеты Бетховена. Из них особой популярностью пользуются « Русские квартеты ». В них действительно слышны русские мелодии (« Ах, талан, мой талан », « Слава » - с этими песнями Бетховен специально знакомился по сборнику Львова). Это не случайно: квартеты написаны по заказу российского дипломата Андрея Разумовского, который долго жил в Вене, был меценатом Бетховена. Разумовскому посвящены две симфонии композитора. Симфоний у Бетховена девять, из них большинство известны публике. Напомню о Третьей ( Героической ) симфонии, Пятая симфония со знаменитой Темой судьбы. Эти « удары судьбы » обрушиваются и обрушиваются вновь, судьба все колотится в дверь. И борьба первой частью не заканчивается. Результат виден только в финале, где тема судьбы превращается в ликование радости победы. Пасторальная ( 6 симфония ) - само название предполагает воспевание природы. Потрясающая 7-я симфония, наконец, самая известная,
эпохальная Девятая симфония, задумка о которой зрела у Бетховена давно. Бетховен тоже жил жизнью « свободного художника » ( впрочем, начиная с Моцарта, это стало нормой ) со всеми ее тяготами и неопределенностью. Несколько раз Бетховен порывался покинуть Вену, тогда австрийская знать предлагала ему жалованье, только бы он не уезжал. И Бетховен оставался в Вене. Здесь он и встретил свой главный триумф. Из самой бездны скорби Бетховен задумал восславить Радость. (Роллан). Бетховен уже сильно болел. Это не только наступившая глухота, у композитора развивается тяжёлое заболевание печени. Денег тоже не хватало, были проблемы и в личной жизни ( воспитание племянника ). В этих условиях родилось то, что иногда трудно считать человеческим творением. Обнимитесь, миллионы! (Бетховен. 9-я симфония, финал). Ее еще называют Хоральной симфонией, благодаря тому, что в финале там звучит ныне всем известный хор на слова Фридриха Шиллера - « Ода к радости », которая периодически становилась разными гимнами, сейчас это - Гимн Евросоюза. Бетховен умер 26 марта 1827 г. В 2007 г. венский патолог и эксперт судебной медицины Кристиан Рейтер (доцент кафедры судебной медицины Венского медицинского университета) предположил, что неумышленно ускорил кончину Бетховена его врач Андреас Ваврух, который раз за разом протыкал больному брюшину (чтобы вывести жидкость), после чего накладывал на раны примочки, содержавшие свинец. Проведённые Рейтером исследования волос показали, что уровень содержания свинца в организме Бетховена резко возрастал каждый раз после визита врача.
Бетховен - педагог
Бетховен начал давать уроки музыки ещё в Бонне. Его боннский ученик Стефан Брейнинг до конца дней оставался самым преданным другом композитора. Брейнинг помог Бетховену в переделке либретто « Фиделио ». В Вене ученицей Бетховена стала юная графиня Джульетта Гвиччарди, в Венгрии, где гостил Бетховен в имении Брунсвик, у него обучалась Тереза Брунсвик. Ученицей Бетховена была и Доротея Эртман , одна из лучших пианисток Германии. Д. Эртман славилась исполнением бетховенских произведений. Композитор посвятил ей сонату № 28. Узнав, что у Доротеи умер ребёнок, Бетховен долго играл ей. У Бетховена начал заниматься и Карл Черни . Карл был, пожалуй, единственным ребёнком среди бетховенских учеников. Ему исполнилось только девять лет, но он уже выступал с концертами. Черни прозанимался у Бетховена пять лет, после чего композитор выдал ему документ, в котором отмечал
« исключительные успехи ученика и его достойную удивления музыкальную память ». Память у Черни действительно была поразительной: он знал наизусть все фортепианные сочинения учителя. Черни рано начал педагогическую деятельность и вскоре стал одним из лучших педагогов Вены. Среди его учеников был Теодор Лешетицкий, которого можно назвать одним из основателей русской фортепианной школы. Лешетицкий, переехав в Россию в Санкт - Петербург, в свою очередь являлся педагогом А. Н. Есиповой, В. И. Сафонова, С. М. Майкапара. У К. Черни учился полтора года Ференц Лист. Успехи его были столь велики, что учитель разрешил ему выступать перед публикой. На концерте присутствовал Бетховен. Он угадал одарённость мальчика и поцеловал его. Лист всю жизнь хранил память об этом поцелуе. Не Черни, а Лист унаследовал бетховенскую манеру игры. Подобно Бетховену, Лист трактует рояль как оркестр. Во время гастролей по Европе он пропагандировал творчество Бетховена, исполняя не только его фортепианные произведения, но и симфонии, которые он адаптировал для рояля. В те времена музыка Бетховена, особенно симфоническая, была ещё неизвестна широкой аудитории. Именно благодаря усилиям Ф. Листа памятник композитору Людвигу ван Бетховену был поставлен в Бонне в 1839 г.. Бетховенскую музыку невозможно не узнать. Лаконизм и рельефность мелодий, динамика, четкая мускульная ритмика - это легко узнаваемый героико-драматический стиль. Даже в медленных частях ( там, где Бетховен размышляет ) звучит главная бетховенская тема: через страдание - к радости, « через тернии к звездам ». М. И. Глинка считал Бетховена вершиной Венского классицизма, художником, наиболее глубоко проникнувшим в глубины человеческой души и в совершенстве выразившим её в звуках. Бетховен же говорил: " Музыка должна высекать огонь из души человеческой! ".
Заключение
Рост свободы в обществе привел к появлению первых публичных концертов, в главных городах Европы образовываются музыкальные общества и оркестры. Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII в. породило возникновение множества частных салонов, проведение оперных представлений. Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки - таких, как соната, симфония, квартет. В эту эпоху кристаллизуется жанр классического концерта, вариационной формы, совершается реформа оперных жанров.
Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты - кларнет, флейта, труба и другие, напротив, заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук. Новый состав оркестра привел к появлению симфонии - важнейшего музыкального жанра. Одним из первых композиторов, использовавших симфонический формат, стал сын И.С. Баха - Карл Филипп Эммануил Бах. Вместе с новым составом оркестра появляется и

струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Создаются сочинения специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа. Сформировалась многочастная сонатно - симфоническая форма ( 4 - частный цикл ), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений. В эту же эпоху было создано фортепиано, конструкция которого в течение XVIII в. претерпевает значительные изменения, усовершенствуется клавишно -молоточковый механизм, вводятся чугунная рама, педали, механизм « двойной репетиции », изменяется расположение струн, расширяется диапазон. Все эти эволюционные нововведения позволяли музыкантам - пианистам с большей лёгкостью исполнять виртуозные произведения в различных вариантах, используя разнообразные средства выразительности и обогащённую динамику. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен - три великих имени, три « Титана », вошедших в историю, как
венские

классики
. Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки - от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, - вот главная черта творчества венских классиков. Именно, композиторы венской классической школы подняли жанр фортепианной сонаты, классического концерта на высочайший уровень. Открытие классицизма заключалось в выражении стремления к высочайшему идеалу совершенства, к райскому устроению души и жизни. Гайдн говорил, что Бог не будет обижаться на него за то, что он славит Его в новом светлом и ясном стиле. Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам - творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы. Классицизм - стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.
Между тем века классицизма уже отступали; в беспрецедентной полистилистике "Дон Жуана", в бунтующем духе "Эгмонта" угадывалось столетие романтизма с его трагической иронией, неустроенностью художественного сознания, свободой лирической интимности.
Принципы классицизма
1. Основа всего - разум. Прекрасно лишь то, что разумно. 2. Главная задача - укрепление абсолютной монархии, монарх - воплощение разумного. 3. Главная тема - конфликт личных и гражданских интересов, чувства и долга. 4. Высшее достоинство человека - исполнение долга, служение государственной идее. 5. Наследование античности как образцу. 6. Подражание “ украшенной ” природе. 7. Главная категория - красота.
Литература
Келдыш Ю. В. - Классицизм. Музыкальная энциклопедия, Москва: Советская энциклопедия, из - во « Советский композитор », 1973 - 1982 гг .. Классицизм - Большой энциклопедический словарь, 2000 г. Ю. А. Кремлёв - Фортепианные сонаты Бетховена, издательство « Советский композитор », Москва 1970 г.
Композиторы эпохи классицизма

Фридрих Калькбреннер Йозеф Гайдн Иоганн Непомук Гуммель Ян Ванхал Джованни Баттиста Пешетти Доминико Чимароза Иван Ласковский Леопольд Моцарт Кристиан Готлоб Нефе Вольфганг Амадей Моцарт Джованни Баттиста Грациоли Андре Гретри Иоганн Э. Гуммель Даниель Штейбельт Игнац Плейель Людвиг ван Бетховен Никколо Паганини Антон Диабелли Александр Львович Гурилев Ян Ладислав Дуссек Жак Обер Кристоф Виллибальд Глюк Джованни Паизиелло Александр Иванович Дюбюк Лев Степанович Гурилев Карл Черни Даниэль Готлоб Тюрк Вильгельм Фридеман Бах Антонио Сальери Иоганн Христиан Бах Мауро Джулиани Иоганн Христоф Фридерик Бах Джон Фильд Карл Филипп Эммануил Бах Александр Танеев Фредерик Дювернуа Гаэтано Доницетти Иоганн Вильгельм Хесслер Евстигней Фомин Иоганн Бенда Тобиас Хаслингер Луиджи Керубини Винченцо Беллини Альберт Беренс Иоганн Филипп Кирнбергер Муцио Клементи Анри Жером Бертини Анри Крамер
Луиджи Боккерини Иоганн Батист Крамер Дмитрий Бортнянский Родольф Крейцер Пётр Булахов Фридрих Кулау Карл Мария фон Вебер Иоганн Генрих Лев Анри Лемуан Геништа Иосиф Иосифович Михаил Клеофас Огинский Джованни Баттиста Перголези
РОМАНТИЗМ
Романтизм - идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца XVIII в. - первой половины XIX в. - явился реакцией на эстетику классицизма, своеобразной реакцией на эпоху Просвещения с его культом разума. Возникновение романтизма было обусловлено разными причинами. Важнейшая из них
-
разочарование в итогах Великой французской революции
,
не оправдавшей возлагавшихся на нее надежд. Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и бездуховна, она пронизана духом мещанства, филистерства и достойна только отрицания. Мечта - это нечто прекрасное, совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом. Романтизм впервые возник и сложился в 1790-е гг. в Германии, в кругу писателей и философов йенской школы, представителями которой считаются В. Г. Ваккенродер, Людвиг Тик , Новалис, братья Ф. и А. Шлегели). Философия романтизма была систематизирована в трудах Ф. Шлегеля и Ф.Шеллинга и заключалась в том, что есть позитивное наслаждение прекрасным, выражающееся в спокойном созерцании, и есть негативное наслаждение возвышенным, бесформенным, бесконечным, вызывающее не радость, а изумление и осмысление. С воспеванием возвышенного связан интерес романтизма к злу, его облагораживание и диалектика добра и зла. В XVIII в. романтическим называли всё странное, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. В нач. XIX в. романтизм стал обозначением нового направления, противоположного классицизму и Просвещению. От эпохи к эпохе, от стиля к последующему стилю в области искусства можно « перекинуть мостик » и выразить соответствующее
определение художественных направлений: барокко - это проповедь, романтизм - это исповедь. Так они и « раскинуты » в стороны от стройного и упорядоченного классицизма. В искусстве барокко человек обращался к человеку ( проповедовал ) с чем-то глобально важным, в романтизме человек обращается к миру, заявляя ему, что мельчайшие переживания его души не менее важны, чем всё остальное. И здесь не только право на индивидуальное чувство, но и право на поступок. Романтизм, сменяя эпоху Просвещения, совпадает с промышленным переворотом, обозначенным появлением паровой машины , паровоза, парохода, фотографии и фабрично - заводских окраин. Если Просвещение характеризуется культом разума и основанной на его началах цивилизации, то романтизм утверждает культ природы, чувств и естественного в человеке. Именно в эпоху романтизма оформляются феномены туризма, альпинизма и пикника, призванные восстановить единство человека и природы. Востребованным оказывается образ « благородного дикаря », вооруженного «народной мудростью» и не испорченного цивилизацией. Просветительской идее прогресса романтизм противопоставляет интерес фольклору, мифу, сказке, к простому человеку, возвращение к корням и к природе. В дальнейшем развитии немецкий романтизм отличает интерес к сказочным и мифологическим мотивам, что особенно ярко выразилось в творчестве братьев Вильгельма и Якоба Гримм , Гофмана. Г. Гейне, начиная свое творчество в рамках романтизма, позднее подверг его критическому пересмотру. Философский романтизм призывает к переосмыслению религии и стремлению к атеизму. « Истинная религия - это чувство и вкус бесконечности ». Позднее в 1820 - е годы романтический стиль распространился в Англии, Франции и других странах. К английскому романтизму относится творчество писателей Расина, Джона Китса, Уильяма Блейка. Романтизм в литературе получил распространение и в других европейских странах, например: во Франции - Шатобриан, Ж. Сталь, Ламартин, Виктор Гюго, Альфред де Виньи, Проспер Мериме, Жорж Санд, Стендаль; в Италии - Н. У. Фосколо, А. Мандзони, Леопарди, в Польше - Адам Мицкевич , Юлиуш Словацкий , Зыгмунт Красинский, Циприан Норвид; в США - Вашингтон Ирвинг, Фенимор Купер, У. К. Брайант, Эдгар По, Натаниэль Готорн, Генри Лонгфелло, Герман Мелвилл.
В русском романтизме появляется свобода от классических условностей, создаётся баллада, романтическая драма. Утверждается новое представление о сущности и значении поэзии, которая признаётся самостоятельной сферой жизни, выразительницей высших, идеальных стремлений человека. В романтизме русской литературы показываются страдания и одиночество главного героя. В России к поэтам - романтикам можно отнести также В. А. Жуковского, К. Н. Батюшкова, Е. А. Баратынского, Н. М. Языкова. Ранняя поэзия А. С. Пушкина также развивалась в рамках романтизма. Вершиной русского романтизма можно считать поэзию М. Ю. Лермонтова. Философская лирика Ф. И. Тютчева является одновременно и завершением, и преодолением романтизма в России. Романтизм зародился как литературное течение, но оказал значительное влияние на музыку и на живопись. В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше - в архитектуре. Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма. Романтики укоряли своих предшественников в « холодной рассудочности » и отсутствии « движения жизни ». В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и живописные руины. Его основные черты - динамичность композиции, объёмная пространственность, насыщенный колорит, светотень ( например, произведения Тёрнера, Жерико и Делакруа ). В 20 - 30-х годах работы многих художников отличались патетикой, нервной возбуждённостью; в них наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения, способного увести от « тусклой повседневности ». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия. Первым, кому удалось закрепить новое направление и « оправдать » романтизм, был Теодор Жерико. Представители живописи: Франсиско Гойя , Антуан-Жан Гро , Теодор Жерико, Эжен Делакруа , Карл Брюллов , Уильям Тёрнер , Каспар Давид Фридрих, Карл Фридрих Лессинг , Карл Шпицвег , Карл Блехен , Альберт Бирштадт, Фредерик Эдвин Чёрч, Фузели, Мартин.
РОМАНТИЗМ В МУЗЫКЕ
Музыка периода романтизма - это период в истории Европейской музыки, который охватывает условно 1800 - 1910 годы. В музыке направление романтизма сложилось в 1820 годы, развитие его заняло весь XIX в. - век расцвета музыкального культуры Западной Европы. Романтизм - не просто лирика, но господство чувств, страстей, душевных стихий, которые познаются лишь в уголках собственной души. Подлинный художник выявляет их с помощью гениальной интуиции.
Музыка этого периода развилась из форм, жанров и музыкальных идей, установившихся в ранние периоды, такие как классический период. Композиторы - романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада. Идеи, структура произведений, которые установились или только наметились в более ранние периоды, были развиты при романтизме. В итоге произведения, относящиеся к Романтизму, воспринимаются слушателями как более пылкие и эмоционально выразительные. Принято считать, что непосредственными предшественниками романтизма были Людвиг ван Бетховен - в австро - немецкой музыке и Луиджи Керубини - во французской; более отдалённым своим предшественником многие романтики ( например, Шуберт, Вагнер, Берлиоз ) считали К. В. Глюка. Период перехода от классицизма к романтизму считается предромантическим периодом - сравнительно короткий период в истории музыки и искусства. Если в литературе и живописи романтическое направление в ос новном завершает свое развитие к середине XIX столетия, то жизнь музыкального романтизма в Европе гораздо продолжительнее. Музыкальный романтизм как направление сложился в начале XIX века и развивался в тесной связи с различными течениями в литературе, живописи и театре. Основными представителями романтизма в музыке являются: в Австрии - Франц Шуберт, и поздние романтики - Антон Брукнер и Густав Малер; в Германии - Эрнест Теодор Гофман, Карл Мария Вебер, Рихард Вагнер, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Йоганес Брамс, Людвиг Шпор; в Англии - Эдвард Элгар; в Венгрии - Ференц Лист; в Норвегии - Эдвард Григ; в Италии - Никколо Паганини, Винченцо Беллини, ранний Джузеппе Верди; в Испании - Фелипе Педрель; во Франции - Д. Ф. Обер, Гектор Берлиоз, Дж. Мейербер и представитель позднего романтизма Сезар Франк; в Польше - Фредерик Шопен, Станислав Монюшко; в Чехии - Бедржих Сметана, Антонин Дворжак;
в России в русле романтизма работали Александр Алябьев, Михаил Глинка, Александр Даргомыжский, Милий Балакирев, Н. А. Римский - Корсаков, Модест Мусоргский, Александр Бородин, Цезарь Кюи, П. И. Чайковский.

Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка, которая в силу своей специфики наиболее полно выражает движения души. Именно музыка в эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств. Для романтизма в музыке характерно обращение к внутреннему миру человека. Музыка способна выражать непознаваемое, передавать то, что не в силах передать словами. Романтизм всегда стремится уйти от реальности. Прикоснуться к жизни простых людей, понять их чувств, опираясь на музыку - это помогло представителям музыкального романтизма, сделать свои произведения реалистичными. В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается проблема личности , причем в новом освещении - в ее конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок, когда он является именно незаурядной, одаренной личностью. Тема одиночества - едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков («Любовь поэта» Шумана, «Фантастическая симфония» Берлиоза с ее подзаголовком - « Эпизод из жизни артиста » ). Раскрытие личной драмы нередко приобретало у романтиков оттенок автобиографичности, который вносил в музыку особую искренность. Так, например, многие фортепианные произведения Шумана связанны с историей его любви к Кларе Вик. Автобиографический характер своих опер всячески подчеркивал Рихард Вагнер. Внимание к чувствам приводит к смене жанров - господствующее положение приобретает лирика , в которой преобладают образы любви. С темой « лирической исповеди » очень часто переплетается тема природы. С образами природы тесно связано развитие жанрового и лирико - эпического симфонизма ( одно из первых сочинений - « большая » симфония C - dur Ф. Шуберта ). Настоящим открытием композиторов - романтиков стала тема фантастики. Музыка впервые научилась воплощать сказочно - фантастические образы чисто музыкальными средствами. В операх XVII - XVIII вв. « неземные » персонажи (как, например, Царица ночи из « Волшебной флейты » Моцарта ) разговаривали на « общепринятом »
музыкальном языке, мало выделяясь на фоне реальных людей. Композиторы - романтики научились передавать фантастический мир как нечто совершенно специфическое ( при помощи необычных оркестровых и гармонических красок ). Яркий образец - « Сцена в волчьем ущелье » в « Волшебном стрелке » Вебера. В высшей степени характерен для музыкального романтизма интерес к народному творчеству . Подобно поэтам - романтикам, которые за счет фольклора обогаща ли и обновляли литературный язык, музыканты широко обращались к национальному фольклору - народным песням, балладам, эпосу ( Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс , Б. Сметана , Э. Григ ). Все слышимое ушами тут же претворялось в творчестве. Фольклор - песни, танцы, легенды - перерабатывается, оттуда берутся темы, сюжеты, интонации. У романтиков особую ценность приобретает песня ( в России - романс ). Появляются новые танцы - мазурки, полонезы, вальсы. Воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, они опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возрождали старинные диатонические лады. Под влиянием фольклора содержание европейской музыки ярко преобразилось
.
Новые темы и образы потребовали от романтиков разработки новых средств музыкального языка и принципов формообразования, расширения тембровой и гармонической палитры музыки ( натуральные лады, красочные сопостав ления мажора и минора ). И в средствах выражения общее все больше уступает место индивидуально своеобразному.

В оркестровке принцип ансамблевых групп уступил место солированию почти всех оркестровых голосов. В период расцвета романтизма зародился ряд новых музыкальных жанров, в том числе жанры программной музыки ( симфонические поэмы, баллады, фантазии, песенные жанры ). Важнейшим моментом эстетики музыкального романтизма была идея синтеза искусств, которая нашла наиболее яркое выражение в оперном творчестве Р. Вагнера и в программной музыке Г. Берлиоза, Р. Шумана, Ф. Листа.
ВЫВОД
На возникновение романтизма повлияло три главных события: Великая французская революция, наполеоновские войны, подъем национально - освободительного движения в Европе. Романтизм как метод и направление в музыке и художественной культуре был явлением сложным и противоречивым. В каждой стране он имел яркое
национальное выражение. Романтики бунтовали против итогов буржуазной революции, но бунтовали по - разному, так как у каждого был свой идеал. Но при всей многоликости и многообразии у романтизма есть устойчивые черты: разочарование в окружающем мире, ощущение себя частью Вселенной, неудовлетворенность самим собой, поиск гармонии, конфликт с обществом. Все они исходили от отрицания Просвещения и рационалистических канонов классицизма, которые сковывали творческую инициативу. Интерес к сильной личности, которая противопоставляет себя всему окружающему миру и опирается только сама на себя, и внимание к внутреннему миру человека. Идея синтеза искусств нашли выражение в идеологии и практике романтизма. Индивидуализированное, личностное видение мира повлекло за собой возникновение новых музыкальных жанров. В единении с тенденцией развития домашнего музицирования, камерного исполнительства, не рассчитанного на массовую аудиторию и совершенную исполнительскую технику, это вызвало к жизни появление жанра фортепианной миниатюры - экспромты, музыкальные моменты, ноктюрны, прелюдии, множество танцевальных жанров, ранее не фигурировавших в профессиональной музыке. Романтические темы, мотивы, выразительные приемы вошли в искусство разных стилей, направлений, творческих объединений. Силы, противодействующие романтизму, начали формироваться во второй половине 19 века ( Брамс, Брюкнер, Малер ). С их появлением наметились тенденции к повторному обращению к реальному миру, объективности, отказу от субъективного. Но, несмотря на это, романтическое мироощущение или мировоззрение оказалось одним из самых плодотворных художественных стилистических течений. Романтизм как общее мироощущение, свойственное преимущественно молодё-жи, как стремление к идеалу и творческой свободе до сих пор живёт в мировом искусстве.
ЛИТЕРАТУРА
Рапацкая Л. А. Романтизм в художественной культуре Европы XIX в.: открытие « внутреннего человека » // Мировая художественная культура. 11 кл. в 2 частях. М. : Владос, 2008 г.
Брянцева В.Н. Музыкальная литература зарубежных стран - Изд. «Музыка» 2001 г. А.В. Сердюк, О.В. Уманец Пути развития украинского и зарубежного музыкального искусства. - Х.: Основа, 2001 г. Берковский Н.Я. Романтизм в Германии / Вступительная статья А. Аникста. - Л.: « Художественная литература », 1973 г.